Le meilleur à Dijon

Le Grand Armorial équestre de la Toison d’or

A une époque où, pour les dijonnais, la Toison d’or se limite à la quête du tshirt de l’été, les bonnes affaires commerciales ont-elles éclipsées les aspirations d’un monde médiéval finissant ?

Détail d’un collier de l’ordre de la Toison d’or, créé en 1430, encore distribué aujourd’hui par l’Etat Espagnol comme décoration de mérite

Le XVe siècle est une période de transition entre l’idéal chevaleresque du Roi Arthur et de la légende du Saint Graal, chimère de foi, de pureté et de sacrifice, et la redécouverte de l’antique, mythologie lointaine et érudite propre à satisfaire des princes diplomates soucieux de réunir et d’impressionner pour moins s’affronter.

L’ordre de la Toison d’or, institué à Bruges par le duc de Bourgogne Philippe le Bon il y a 588 ans, le 10 janvier 1430 à l’occasion de son mariage avec Isabelle de Portugal, incarne cette arme nouvelle, chaîne dorée pour seigneurs turbulents, parure de promotion de nouvelles valeurs, ornement de prestige pour toute la Chrétienté.

Rogier van der Weyden (d’après), Philippe le Bon, duc de Bourgogne, 34 x 25 cm, copie du XVIe siècle d’après un original disparu, Paris, Musée du Louvre (détail)

Le duché est une puissance incontournable en cette fin de guerre de Cent Ans et la cour de Bourgogne le creuset d’une fougue passée, avide de croisade, transmutée en symbole d’un nouveau monde plus allégorique, poétique et ludique.

« Le Grand Armorial équestre de la Toison d’or » conservé à la bibliothèque de l’Arsenal au titre de trésor national, est l’un des manuscrits enluminés les plus spectaculaires de la fin du Moyen Âge qui représente au mieux ce passage vers l’époque moderne.

Mouvement extrême, déchaînement abstrait, hardiesse des couleurs, enthousiasme du trait qui font de chaque folio une oeuvre d’art unique à observer pour la première fois avec ardeur chez soi, dans ce fac-similé accessible à tous.

Le roi de Portugal – Grand Armorial équestre de la Toison d’or oeuvre collective (plusieurs peintres dont l’identité ne nous est pas connue) placée sous l’autorité de Jean Lefèvre de Saint-Rémy. Lille, 1435-1438, Gouache sur papier, 167 feuillets (290 x 210 mm) BnF, Arsenal (Cote MS-4790)

L’occasion de découvrir grâce à l’introduction éclairée de Michel Pastoureau, historien médiéviste et archiviste paléographe, les nuances de cette époque particulière perdue dans la coloration généralisée d’un « Moyen Âge » folklorique.

Une initiation aux subtilités de l’imagerie médiévale pour mieux saisir la beauté savante de ces figures guerrières, de la création des armoiries au Moyen Âge central (XIe, XIIe et XIIIe siècle), objet de visibilité sur les champs de bataille, à la subtilité de leur « écriture », figure identitaire, qui gagne peu à peu la vie quotidienne de toutes les familles, nobles ou non.

Une généralisation qui tend à vouloir particulariser certains seigneurs par une série d’ordres princiers comme celui de la Toison d’or, qui sans être le premier devient rapidement l’un des plus prestigieux d’Europe, de par ses origines, sa rareté et ses contraintes.

Hugues de Lannoy – Grand Armorial équestre de la Toison d’or oeuvre collective (plusieurs peintres dont l’identité ne nous est pas connue) placée sous l’autorité de Jean Lefèvre de Saint-Rémy. Lille, 1435-1438, Gouache sur papier, 167 feuillets (290 x 210 mm) BnF, Arsenal (Cote MS-4790)

Dijon en est le siège, dans la Sainte-Chapelle détruite en 1803, même si les chapitres qui réunissent les chevaliers (24 en 1430, 30 en 1433) se tiennent dans les différentes villes du duché, surtout dans les Flandres.

Le Grand Armorial équestre de la Toison d’or a d’ailleurs sans doute été réalisé à Lille, ville spécialisée dans les manuscrits sur papier, pour un expert de l’héraldique, science du blason.

Le duc de Bretagne – Grand Armorial équestre de la Toison d’or oeuvre collective (plusieurs peintres dont l’identité ne nous est pas connue) placée sous l’autorité de Jean Lefèvre de Saint-Rémy. Lille, 1435-1438, Gouache sur papier, 167 feuillets (290 x 210 mm) BnF, Arsenal (Cote MS-4790)

Car, aux figures des premiers chevaliers de l’ordre s’ajoutent celles des grands princes de l’époque (Roi de France, d’Angleterre, duc de Bretagne ou de Luxembourg…) ainsi que les armoiries de différents pays d’Europe, dont la Pologne, certainement « récoltées » par l’héraldiste lors de la paix d’Arras (1435) signée entre le roi de France Charles VII et le duc de Bourgogne Philippe le Bon, qui met fin à la guerre civile entre Armagnacs et Bourguignons.

Grand Armorial équestre de la Toison d’or oeuvre collective (plusieurs peintres dont l’identité ne nous est pas connue) placée sous l’autorité de Jean Lefèvre de Saint-Rémy. Lille, 1435-1438, Gouache sur papier, 167 feuillets (290 x 210 mm) BnF, Arsenal (Cote MS-4790)

Une incursion gouachée dans les méandres de notre Histoire subtilement brossée par les explications claires et précises de Michel Pastoureau et par son dialogue avec Jean-Charles de Castelbajac, artiste et créateur de mode, qui par son trait imagi-naïf met en parallèle cet univers avec le notre.

Le Chevalier Jean-Charles, Jean-Charles de Castelbajac, 2017

L’image en est le point commun, de l’héraldiste à l’artiste, du blason au logo, dans un langage plus ouvert et plus terre à terre, pour consommateurs en quêtes de valeurs…

Michel Pastoureau et Jean-Charles de Castelbajac, Le Grand Armorial équestre de la Toison d’or, Coédition BNF / Seuil, 49 euros.

Minini Fleuriste – 30 rue Chaudronnerie

Comment définir le luxe ?

Par la surenchère ? Par le « bling-bling » ? Par le tapage d’objets censés vous crédibiliser aux yeux des autres ?

L’argent ne répond qu’en partie à la définition et la facilité des logos n’apporte bien souvent que la lumière artificielle d’une époque qui privilégie le virtuel au détriment du naturel.

Et pourtant !

Le véritable luxe est souvent ce qui se laisse oublier, le savoir-faire d’exception devient l’évidence, l’élégance invite le paraître à révéler l’être, et la simplicité se révèle plus que jamais dans la maîtrise du geste d’artisans chevronnés.

Le luxe est un travail manuel de longue haleine pour acquérir et obtenir la perfection de l’instant.

Tous les métiers (Restauration, alimentation, mode, joaillerie, fonderie d’art, ébenisterie…) sont concernés par cette recherche de la qualité, couronnée tous les trois ans par le concours du Meilleur Ouvrier de France qui depuis 1924 allie le respect des traditions à l’innovation.

Avancer sans rien renier pourrait être la devise de ces lauréats de l’excellence.

Parmi eux, Isabelle Minini, reconnue par ses pairs en 1997 dans la catégorie « Art Floral ».

Une satisfaction et surtout le plaisir d’un métier qui n’a pas toujours la délicatesse de ses objets, les lourdes charges, les horaires matinaux et le froid, demandent une motivation extrême, à l’image des métiers de bouche, entre rigueur et témérité.

Une force qui s’explique par le soutien indéfectible de sa famille et particulièrement de son père, l’artiste Jean-Marc Minini, qui a tout fait pour lui garder cet équilibre essentiel, loin d’une aventure parisienne un moment envisagée.

Ce concours a été le remerciement à cette confiance filiale qui lui a permis d’ouvrir en 1986 la boutique « Fiorella » à Fontaine-lés-Dijon et il y a 17 ans celle actuelle, à Dijon, dans le quartier des antiquaires.

De cette confiance émerge la volonté de ne pas être simplement marchande de fleurs mais décoratrice florale dans toute sa technicité.

Un travail de l’éphémère qui trouve sa constance dans l’univers créatif paternel et dans cette campagne de l’enfance où les fleurs invitent à butiner le destin.

Des racines solides et le goût de l’aventure sans fioriture.

Ici vous ne trouverez pas de petits bouquets étriqués noyés d’accessoires, Isabelle prône l’éthique de la saisonnalité, de la fleur de jardin qui seule apporte l’émotion du moment.

Un goût de l’authenticité et de la matière qui lui permet de montrer son travail dans de nombreuses expositions internationales.

Son style inimitable transforme le bouquet en geste, dans le respect de la fragilité et du sens de la pousse, autant de facteurs qui peuvent transformer la fleur fraîche en tableau vivant.

Une démarche artistique inspirée du savoir-faire de ses « concurrents », des norvégiens, belges et allemands qui ne gardent que l’essentiel en travaillant le végétal avec respect, aux japonais et thaïlandais dont les structures de bout de bois transportent les fleurs en « Land Art« , une tendance de l’art contemporain où la nature devient objet et non plus simplement sujet.

Isabelle trouve en ces voyages l’équilibre de la liberté pour elle même et ses créations, de l’épure des paysages japonais à la fraîche forêt tropicale des landes écossaises révélant des sculptures de lichens.

Revenue à Dijon il faut lutter entre sa volonté de nouveauté et les exigences un peu trop sages de la clientèle, privée ou d’entreprise, pour qui les fleurs sont le luxe d’un instant.

C’est toute la difficulté d’offrir une exception éphémère à un événement dont seule une image perdurera même si l’émotion du moment n’a pas d’égale.

L’art floral propose un condensé de vie quand beaucoup voudraient voir l’éternité.

C’est pourquoi, de plus en plus, les fleurs fraîches laissent la place aux fleurs en tissus, dont certaines conçues par des fleuristes, d’une merveilleuse réalité.

Isabelle les traitent comme des sculptures, là où elle octroie aux fleurs fraîches le geste du peintre, les fleurs en tissus apportent de la profondeur, entre malléabilité nouvelle et fragilité apparente.

Elles se prêtent ainsi à toutes les fantaisies jusqu’à la réinterprétation des Grands Maîtres.

Challenge du temps, d’un mot et de la matière que le musée Magnin avait lancé à Isabelle Minini pour son exposition « L’ordre de l’éphémère. Représentation de fleurs anciennes et contemporaine« .

Les fleurs modèles ne sont plus depuis longtemps, ne demeure que leur image arrivée jusqu’à nous depuis les ateliers des peintres néerlandais du XVIIe siècle et les salons bourgeois du XIXe.

En comparaison, c’est une oeuvre de l’instant, virevoltant bouquet au naturel, qui nous accueille. Appelée à durer cette composition fige l’éphémère tout en maintenant l’émotion.

Une touche de vie, de beauté et d’imagination inspirée, et non copiée, des oeuvres exposées.

Elle permet, entres autres, de préserver le geste d’une ouvrière de l’excellence, d’une artiste du présent, d’une coloriste innée, qui laisse respirer la nature pour la magnifier.

Site internet – Facebook – Instagram

Ateliers Vortex / 71-73 rue des rotondes

L’abandon peut être source d’inspiration, lieu de création, espace d’exposition.

L’association les Ateliers Vortex a ainsi réhabilité en 2012 une ancienne fabrique au coeur d’une friche industrielle du quartier de la Stéarinerie.

Un avant goût d’apocalypse et de la fin d’un monde où la productivité passe désormais par la poésie d’un lieu, une certaine distance et l’expérimentation d’un art contemporain qui y gagne l’espace et l’inconnu de rencontres inattendues.

300 m2 gérés par des artistes à la disposition des artistes, du pôle de fabrication composé d’ateliers permettant le travail du bois, du métal et de la sérigraphie, au maintien d’un lien entre conception, réalisation, production et exposition du résultat, d’une oeuvre à diffuser pour exister, à la révélation d’une jeune garde à faire découvrir sans faux semblant.

Diverses expositions dans l’année ainsi qu’une résidence estivale permettent d’en faire un lieu d’ouverture au public, d’échange, de recherche, de médiation et de mutualisation des compétences.

Une association-jalon dans l’action culturelle entre les écoles d’art, les lieux d’expositions confirmés, tels le Consortium, le FRAC Bourgogne et divers musées.

Un lieu charnière propice à la rencontre comme pour l’installation de début d’année « Le hasard vaincu » de Nicolas Daubanes* qui traduit à la fois l’esthétisme de la préservation et l’énergie de la révolte à fuir les clivages.

La vie quotidienne : l’abri, 2019. Construction en verre brisé, bois et scotch. 5 x 3,30 x 2,16 m

Préserver et détruire, faire perdurer et laisser mourir, principes même de la création.

Le bâtiment fait de bois, de verre et de scotch, rappelle autant la protection des vitrines en temps de guerre contre les déflagrations multiples, entre stupeur et tremblement, que le désir d’échapper à la géométrie occlusive, barreaux esthétiques qu’il faut surpasser pour exister.

Une précarité instinctive qui trouve son pendant dans les dessins en limaille de fer incrustée sur céramique qui évoquent tout autant une nature recomposée que certains tests d’équilibre psychologique.

Une volonté esthétique de se relever par la terre, comme ces graines d’eucalyptus qui poussent au sein d’une maquette d’architecture.

Tout est à réinventer, comme ce coin de friche réaffecté à de nouveaux savoir-faire, à de nouvelles conceptions …

Paysage en coupe, 2019. Maquette en bois peinte des Ateliers Vortex, graines d’eucalyptus récoltées sur l’île aux Morts (Tasmanie), systéme chauffant et verre. 75 x 60 x 28 cm

Les Ateliers Vortex : 09.72.43.68.71 / Site / Mail

*Exposition « Le hasard vaincu » de Nicolas Daubanes à voir du mercredi au samedi de 14 h à 18h30 jusqu’au 27 avril.

Atelier f. – Scénographie végétale

Après le cheval le végétal ne serait-il pas la plus belle conquête de l’Homme ?

Entre le fier destrier et la couronne de laurier les puissants y gagnent une gloire qui perdure, sacralisation de leur ingéniosité à contrôler l’eau et les plantations, des jardins suspendus de Babylone à ceux de Versailles.

La verte nature se maîtrise, s’harmonise et s’humanise, source d’inspiration de textes fondateurs et songeurs, bibliques ou féériques, contes et légendes, du jardin d’Eden aux arbres joyaux d’Aladin, des légendes Arthuriennes de la forêt de Brocéliande au Livre de la jungle.

Pouvoir, symboles et fantaisie font prospérer le champ d’une imagination à l’ornementation quasi infinie.

Une Haute Création credo de deux jeunes femmes aux univers complémentaires.

Après des études aux Arts Décoratifs de Paris, département scénographie théâtre, Marion, fleuriste free lance et Léa, mécanicienne spécialisée en machinerie, ont réuni leurs compétences pour créer Atelier f.

…f comme … forêt, feuille, fleur, fruit d’une délicate technicité, travail d’Atelier, nourri du savoir-faire artisanal et mûri de notre époque avide de rêves.

Réalisation de la vitrine de la boutique « Noir Animal » en 2015 – Un travail de création et d’artisanat qui nécessite un mois de préparation pour une journée de montage

Un travail dans la lignée des créations Haute Couture dont les petites mains ornent les corps, comme l’espace de présentation, d’une identité maison qui s’affirme dans la démesure d’une riche nourriture pour réseaux sociaux affamés : murailles d’orchidées monochromes (Dior 2012), fleurs automates (Chanel 2015), bois de lucioles pour bal frivole (Dior 2017).

Un objet de communication qui affirme la personnalité du commanditaire par des créations florales, à la ligne, au style et aux unions originales.

Marion et Léa, par leurs scénographies aériennes, apportent une insoutenable légèreté de paraître qui envoie aux orties les lourdes compositions florales inspirées de la pâte meringuée de certaines robes de mariée.

Rideau végétal pour mariage au Temple protestant de Dijon

Une imagination qui demeure en apesanteur tout en restant simple et naturelle, les éléments glanés (bois, mousse, feuilles, lierre) et les bois torturés (Noisetier, saule) se mêlent aux fleurs fraiches pour un instant ou aux notes précieuses pour plus longtemps, vie d’une campagne se retrouvant en vitrine, quand la plume effleure à nouveau l’écorce brodée.

A Dijon, la boutique « Noir Animal » présente à plus d’un titre la dualité du brut et du précieux, magnifiée par l’Atelier f. en carbone taillé et fleurs dorées, au service d’une image qui ne se veut pas toujours sage.

Du caractère végétalisé qui affirme l’évidence d’une dramaturgie ciblée, du lys suspendu aux lèvres d’une pureté mariale au charbon d’os appelé noir animal.

Une touche légère et inspirée offerte aux particuliers, sociétés, magasins, hôtels, restaurants et artistes en harmonie d’idées créatrices à Dijon, où Atelier f. est basé, mais aussi dans toute la France.

Léa et Marion ont créé un microcosme de savoir-faire, kokedama* passionné, dont l’humus fertile se répand là où leur fantaisie printanière peut faire germer la beauté.

Beauté scénique avec le groupe « Facteur chevaux » aux scènes atypiques (Grottes, jardins, églises) et aux textes taillés (If le grand if), et beauté du geste, de partage et de relais, avec des ateliers en milieu scolaire, du terrarium de primaire au « Land Art » de lycée.

Atelier f. fertilise l’imagination par des réalisations qui la surpasse et apporte une fraicheur d’idées à faire grandir tous les univers.

*Kokedama : boule de glaise au riche substrat qui permet de faire vivre une plante, entourée de mousse pour conserver l’humidité.

Atelier f. – scénographie végétale – Marion Perrichet & Léa Mathé – atelier.f.scenographie@gmail.com

Les Hauts Graphismes

Manière d’exprimer, signe d’un caractère, ligne affirmative ou frontière, le trait est marqueur d’une personnalité qui se distingue.

Morgane Poillot porte haut ce tracé créatif, graphisme mordant aux calmes aplats relevés d’un trait d’humour, elle nous invite à siroter une moutarde de Dijon bien fraiche et à suivre la noire silhouette d’un « Narvalo » mi-cachalot, mi-mec, créature caricature d’un trait d’esprit.

Sérigraphies « Black Night » et « Narvalo »

Une passion originelle de l’image qui permet à Morgane, graphiste et illustratrice free lance, diplomée de l’ENSA de Dijon, de faire le lien entre le léger et le sombre, le puissant et le délicat, le design graphique et l’art.

On perçoit dans ses réalisations l’infuence des découpages de couleurs pures de Matisse, des motifs d’une fraicheur indémodable du Groupe Memphis, codes graphiques des années 80 digérés par l’insconscient collectif, et des illustrations et sérigraphies de Warhol, précurseur d’une création attrayante, boosteuse de consommation.

Le créateur du Pop Art se trouve être le parrain spirituel de tous les artistes et graphistes qui depuis une dizaine d’années, nous permettent, grâce aux boutiques en ligne telle Etsy, de dénicher l’originalité et d’affirmer notre identité dans le partage et le mécénat convivial.

Des foires artisanales digitales qui, relayées par les réseaux sociaux, permettent ponctuellement des interactions entre créateurs et consommateurs par le biais de boutiques éphémères comme le Sunday Market de Dijon, un espace mouvant de ventes privées organisé au moins une fois par trimestre.

Les Hauts Graphismes s’y distinguent ne serait ce que par le logo solaire de ce marché de créateurs nomades pour la plupart issus des régions Bourgogne-Franche-Comté et lyonnaise.

Tous ont en commun cette alliance de la nouveauté et des techniques artisanales qui donnent un supplément d’âme aux coups de coeur.

L’ordinateur apporte la facilité de la réalisation des idées quand le papier et l’encre leur donnent vie, une double expression artistique du graphisme et de la technique d’impression.

Morgane utilise la linogravure, proche de la gravure sur bois, et la sérigraphie, technique de pochoirs, un mode d’expression texturé qui permet une impression sur tous les supports avec la garantie de couleurs intenses et profondes.

Carnets A6, reliure japonaise faite à la main, couverture en carton imprimé par linogravure

Ainsi, toutes les tendances graphiques, du flat design (Formes simples et couleurs saturées), au nouveau rétro (Motifs géométriques inspirés des premiers jeux vidéos) en passant par la pop culture (Bowie tendance Alladin Sane), bénéficient de l’usage ludique de ces techniques d’impression, amplificateurs de la fraicheur des créations de Morgane.

Bowie par le photographe Duffy, revu et graphé…

Le pop des badges, le miroir de la girlie assumée et lookée, la sérigraphie de murs stylés et les carnets graphiques effet usé, affirment cette fantaisie maitrisée de styles divers qui entraîne vers l’affirmation de soi-même.

Une identité que les Hauts Graphismes proposent déjà aux particuliers, aux entreprises et aux associations, entre création de logo, d’identité visuelle, de flyers et d’affiches.

Véronique Barrillot – 15 rue Charrue

Etincelles, gestuelles, visuelles telles sont les oeuvres de Véronique Barrillot, dijonnaise self made woman de l’art en mode « american way of life ».

Sa vie bien rangée alliant tourisme et prêt à porter de masse a, au seuil de la quarantaine, explosée pour exposer, voyager et enfin vivre d’une passion qui jamais ne l’a vraiment quittée.

Pas d’école des Beaux-Arts mais l’école de la rue et un certain goût pour les fresques urbaines qui loin d’une expression rageuse contre la société suivent tout de même la ligne de la commande.

Vous en avez un petit aperçu, rue Dauphine, dans un hommage gestuel aux silhouettes du patrimoine dijonnais.

D’une main signée se suit le fil de Dijon à l’Ours de Pompon, aux pleurants des tombeaux des ducs et au vigoureux Bareuzai

Une graphie manuelle pour une fresquiste qui joue de la précision du pinceau plutôt que de la bombe.

Un travail minutieux pour grands espaces de défoulement entre la chaussure de foot géante pour le Dijon Football Côte-d’Or et la facade du Klube, complexe sportif à Ahuy.

A celle qui voulait vivre d’un art que Pôle Emploi ne voyait que de ravalement, la vie a heureusement dépassé la survie pour fièrement faire vibrer les murs de sculptures dessinées.

New-York, dont la statue de la liberté tient sa structure du dijonnais Eiffel, l’a vu représentée par Véronique en septembre 2013 à Five Pointz, un espace d’exposition en plein air à Hunters Point, dans le Queens.

Dix mètres de haut, écharpe tricolore comme une élue de charme, entourée des pleurants des tombeaux des ducs de Bourgogne alors en tournée triomphale outre-atlantique.

Etonnant mix dans la mecque du Street Art : 20.000 mètres carrés de murs, qui en 20 ans ont contribué au rayonnement de la culture hip hop dans le monde.

Une ode graphée contre la violence urbaine qui a définitivement disparue, passée au « blanc » dans la nuit du 18 au 19 novembre 2013, deux mois après la réalisation de Véronique en hommage aux nombreuses racines qui forment cette cité cosmopolite.

Une expérience qui demeure néanmoins comme le point de départ triomphal d’un talent à l’américaine qui sait oser sans se départir de ses rêves.

La définition d’une vie épanouissante qui relie toujours Véronique à un pays au combien étonnant et toujours curieux de nouveauté.

Ses tournées sont donc nombreuses, de Washington à Houston*, en passant par Monaco et Paris et en 2017 le Salon des Artistes Français au Grand-Palais, un véritable parcours dans le bon art actuel.

Véronique brille par ses coups de pinceaux et ses coups d’audace, toujours à la recherche d’innovation technique, elle joue sur les apparences dans un jeu de transformation à la « Dorian Gray » ou le portraituré affiche une double personnalité.

Après le classicisme qui se voulait une représentation fidèle, physique et quelquefois morale d’un individu, l’arrivée de la photographie a chamboulé cette image picturale pour lui offrir les impressions d’une réalité toujours plus complexe que notre perception.

L’homme révolté (Machine à écrire vs Albert Camus) – Acrylique – 155 x 125 cm – 2018

Pointillisme, fauvisme, cubisme en sont les héritiers auxquels Véronique importe de ses expériences new-yorkaise le pop art de Warhol et le trait graphé de Basquiat.

En découle dans la lignée des « -ismes » un « Wildisme underground » qui étonne par l’alliance de la technique et de l’inspiration.

Face à la toile et suivant vos mouvements, votre perception se substitue au visage évanoui devant l’autre, les jeux de mots (« Dalincoln« ) et les hommages hollywoodiens (Ci-dessous) découlent d’une technique nouvelle poussant toujours plus loin cette idée que tout change toujours plus vite que notre analyse.

Hommage à David Cronenberg – Mix entre « La Mouche » et l’acteur Jeff Goldblum – En résulte sous un certain angle une vague image d’Oscar Wilde – 2015, Acrylique, 200 x 200 cm

Une expérience qui capte la vie dans ses instants, dans ses mouvements, reflet perturbateur de notre époque qui plus que jamais n’appartient qu’aux audacieux qui comme Véronique traversent les frontières des difficultés pour offrir aux moins téméraires le fruit nouveau de leurs découvertes.

Illustration parfaite d’un art au combien nécessaire pour se jouer des faux-semblants.

*Véronique Barrillot

Pour les curieux casaniers, son atelier est ouvert en vitrine et à la visite de son univers au 15 rue Charrue.

Marqueterie végétale miniature – 13 rue Sainte-Anne

Peindre la nature avec des touches d’elle-même, orner les objets du quotidien d’une cueillette-palette de notre environnement, telle est la spécialité de Chantal Duvernet, artisan d’art à la sensibilité multicolore.

Son atelier au pied du dôme vert-de-gris du musée d’art sacré, recèle, au-delà de son aspect impeccable, des trésors de plumes, sables de plages paradisiaques, bois d’essences multiples et teintés, pétales et végétaux séchés, objets divers offerts à une inspiration sans borne.

Un art de la marqueterie, éléments découpés dans de minces feuilles de bois et appliqués sur une menuiserie, né dans l’Italie du XIVe siècle, qui offre toute les fantaisies, figuratives comme abstraites, poétiques et précieuses.

Une liberté d’imagination et de transposition digne d’un artiste, liée à une technicité de miniaturiste et une patience maitrisée, apanage des artisans d’art.

Découper, assembler et coller sont les étapes successives à l’élaboration d’un ornement unique pour chaque objet créé.

Que ce soit un bijoux aux damiers chromatiques, essences d’ébéne, citronnier, bois de rose, buis, érable pommelé, ou au placage-ramage, plumes de faisans, perdrix, petits oiseaux de la nature, cadeau d’une mésange à la parure féminine.

Les hommes ne sont pas en reste, couteau laguiole en ronce de noyer, pince à cravate ensablée, porte-clés et boutons de manchettes boisés.

Les pétales de roses deviennent papillons, les frèles brindilles des arbres et les teintes nervurées des soleils de boîtes à secrets.

Les proportions s’étiolent et les couches successives de résines donnent à ces éléments d’une nature délicate une éternité à toute épreuve.

Un savoir-faire que Chantal a acquis auprès de son maître Gérard Ernstberger, dont elle a pris la suite en 2004 et dont elle aimerait transmettre à présent les tours de mains afin que jamais ne s’efface la magie du travail humain.

Un trésor singulier qui n’est pas toujours protégé par les élus et qui demande à ces professionnels de s’adresser directement au public, afin de le sensibiliser à ces métiers d’art toujours menacés par la facilité d’un achat compulsif non identifié.

C’est ainsi que depuis le 13 octobre 2014 une trentaine d’artisans dans le département ont créé officiellement l’association des Métiers d’Art en Côte-d’Or dans le but de promouvoir et de sensibiliser le public à la richesse de leur maitrîse artisanale.

Dans un monde où la facilité d’achat l’emporte souvent sur les conditions de réalisation il est quelquefois bon d’en savoir plus sur ceux qui peuvent embellir notre vie par des objets du quotidien soignés et originaux.

Une revalorisation des particularités du « fait-main », de la perpétuation des savoir-faire et de l’importance du lien social qui pousse Chantal, tout comme ses confrères, à multiplier les contacts avec le public lors de nombreuses foires et salons dédiés à ces promoteurs de nos valeurs.

Pour que ces activités continuent de forger, de parer et de marquetter notre identité commune.

Cliquez ici pour en savoir plus sur les objets et leur exposition.

B.A-BA Collectif – B.A-BACEDAIRE

Du babillage à l’apprentisage, du B.A-BA à l’abécédaire, les mots articulent la création d’un être, les revendications d’un avoir, l’évolution d’un pouvoir.

Un processus élémentaire qui au-delà d’une identité littéraire offre une ouverture au monde, une perception du partage et des possibles au sein d’une communauté-atelier dont chaque individu apporte la touche d’une réalisation collégiale.

Ainsi s’exprime B.A-BA, un collectif d’étudiants de l’ENSA (Ecole Nationale Supérieure d’Art de Dijon) regroupés autour de la volonté d’organiser des événements culturels variés (expositions, concerts, lectures…), libérés des contraintes d’expositions classiques (musées, galeries…) et de la dualité-miroir auteur-spectateur.

L’idée est que chacun s’exprime, ait son mot à dire, puisse mettre son grain de verbe à une définition dont la forme vaut bien le fond.

M comme Midi ou Mouais pour les moins décidés.

K comme Ketchup ou KKK pour les moins éclairés.

Le B.A-BACEDAIRE commence au pied de la lettre, ouverte, en libre expression. Ainsi du 25 juin au 30 septembre dernier un article par jour a vu se succéder les divers positionnements de Lampadaire, Imaginaire, King size, Lapsus calamar et J’ai pas pris le pain…

A partir du 21 janvier vous êtes solicités pour définir les priorités de N à Z, de Néo multiples à Zénitude, Zeste ou autres zozotages intempestifs.

Toute forme d’expression linguistique quelconque est invitée à participer pour se voir en R : Réseau socialisé, résultat immédiat sur Facebook et finalisé sur Instagram.

Du lundi au vendredi une lettre fait son show, le samedi le synthétise et le dimanche le sacralise en un résumé graphique, point final aux mots de la terre !

Une offre participative rare, occasion presque unique à Dijon de s’immiscer dans l’acte créatif, résultat d’un partage et d’une ouverture à la ville et au monde dont le collectif B.A-BA, s’est fait le fer de lance.

En décembre 2017, « Im/mobiliser » performait sur le déménagement et l’emménagement d’un appartement en constante évolution où le spectateur pouvait prêter main forte pour ne pas décrocher.

En Mars 2018, l’exposition « Indice-Cible » mêlait à l’esthétique légère, élégante et ludique des oeuvres exposées, un jeu de piste où les pièces pouvaient s’associer pour mieux provoquer la rencontre entre auteur et découvreur.

Une démarche totalement contemporaine dans un univers en constante évolution où tout se trouve là ou l’on est, où tout se découvre sur un écran avant la réalité, avant même de réaliser.

Le spectateur, l’observateur, le joueur ou quel que soit sa définition est le nouveau performeur. Son regard accrédite le réel, l’acte de se déplacer permet à la création de se concrétiser.

Le collectif B.A-BA, en sortant des murs de l’ENSA se permet ainsi d’aller à la rencontre de l’acte fini.

Leur projet en cours « Proposition Transformation Réception« , qui donnera lieu à une exposition au mois de Juin, s’inscrit parfaitement dans ce nouveau mouvement de l’art :

Le terme proposition implique la matière première offerte par le spectateur mais aussi la forme que propose l’artiste au regard du public, la transformation reflète l’intervention de l’artiste sur une matière ou l’actionnement d’un dispositif par l’observateur, et le mot réception inclut tout autant la perception du spectateur que la récolte par l’artiste des matières premières qui en découlent.

Osmose des regards et des gestes, combinaison des actes, association des comportements qui par ce nouvel abécédaire offrent les définitions des mouvements artistiques en cours.

Présentation du collectif B.A-BA et de B.A-BACEDAIRE le 21 janvier à 18 h dans l’amphithéâtre de l’ENSA Dijon, 3 rue Michelet, plus d’information et réservation obligatoire ici

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Le Consortium – Exposition Hiver-Printemps 2018-2019 – 37 rue de Longvic

Cette saison est de contrastes au Consortium, retours fréquents passé-présent, questions cruciales à l’humanité opposées aux réalités politiques, offrandes au marché de l’art et personnalisation à outrance pour un autre regard.

La couleur est de mise, les techniques en évolution, les supports sans limite et le message général un encouragement à être soi jusqu’à l’outrance.

L’artiste New-Yorkais Mathieu Malouf nous offre un aperçu de l’évolution de son travail, de l’adolescence aux huit dernières années, qui entérine sa contribution majeure au médium pictural entre pailettes, latex, champignons et tumeurs interconnectés.

Les emprunts à l’histoire de l’art sont flagrants, les clins d’oeil pop sont légions, Andy n’est pas loin, Warhol non plus, Caytlin (Jenner) est la nouvelle Marylin (Monroe), Kim Jong-Un, le nouveau Mao et Donald, le Kennedy d’un destin réalité.

Ca brille, ça claque, flashez avec votre portable pour plus d’explications controversées sur la conscience humaine et ses vérités éternelles teintées d’intelligence artificielle :

L’ensemble est un tout, le particulier un rien de nous, ce que l’art devrait toujours être, amusant, dérangeant, un spectacle vu de loin, un constat pour chacun.

Questions de genre, d’objet à sujet que confirme l’oeuvre de la texane Emily Mae Smith qui libère de sa fonction d’esclave le balai de « L’apprenti sorcier » de Walt Disney pour en faire tour à tour le vainqueur du Sphinx et l’icône glamour d’un nouvel Art Nouveau aux courbes pop, couleurs grinçantes et verres fumés pour mieux montrer ce que l’on veut cacher.

Les inspirations fusionnent, la fusion ambitionne et l’ambition gagne à se faire connaître, le balai en devient phalocrate et la langue hygiénique, pied de… nez aux carrières faciles dont Emily veut se démarquer pour durer.

Sa proposition est donc multi-facettes, oeuvres d’obstination et d’envergure, exécution parfaite, fantaisie et sens du grotesque digne de la scène des Chicago Imagists des années 60 dont elle revendique l’inspiration.

Déplaire pour mieux séduire, s’opposer pour créer sa vérité, mixer pour réinventer sont les clés d’une surprise picturale rafraîchissante et confortante pour une artiste déjà majeure.

Créer pour témoigner, inventer pour insister, inspirer pour évoluer sont des impératifs que l’artiste américaine Valérie Snobeck transpose aux questions écologiques et environnementales.

Particulièrement sur le bilan contrasté de l’United States Environmental Protection Agency (EPA) et sa relation malaisée avec les lobbies industriels, notamment sous le gouvernement américain actuel avec sa remise en question des règles de protection de l’environnement établies sous les administrations précédentes.

Valérie Snobeck s’inspire de l’architecture du bâtiment de l’EPA à Washington et le réduit à la taille du corps humain.

Impacts et dépendances, perception et réalité où l’architecture est dépouillée de sa monumentalité, les armatures porteuses réduites à un squelette, voir un fantôme, essence famélique de ce qui est censé nous surplomber, nous surpasser…

Un changement d’échelle pour mieux parvenir à saisir les enjeux d’une humanité écrasée par ce qu’elle a créé ou est entrain de créer !

Oeuvres réduites à témoigner des agissements de leur époque et de leurs dérives, oeuvres majeures qui souvent témoignent à la fois d’une époque et de ses « clins d’oeil » au présent.

Les oeuvres de la collection du Consortium Museum plongent le premier étage dans le New-York des Eighties.

David Robbins, qui en son temps a fait poser les jeunes loups de l’art contemporain à la manière de comédiens en devenir (Talent, 1986), confirme aujourd’hui le statut de star de Jeff Koons ou de Cindy Sherman.

Allan McCollum et ses « Fives perfect vehicles » reproduit cinq bocaux à gingembre chinois, identiques si ce n’est par la teinte, parfaits si ce n’est par la perte de fonctionnalité, l’ouverture étant impossible.

Métaphore à l’époque de la marchandisation du monde de l’art, n’est t-elle pas de nos jours celle des nouvelles icônes populaires multipliables, parfaites et inutiles ?

Une saison témoignage de notre monde et de sa façon de le recréer pour le réinventer ou tout au moins l’aider à évoluer. Steven Parrino s’est « attaqué » à la fin des années 70 à la peinture, médium que l’on disait alors moribond. La toile malmenée, dissociée du chassis, détendue, retendue s’est réinventée comme l’artiste et comme l’homme moderne qui sans mouvement s’enlise.

Le rythme s’accélère, la pression pousse à la performance et ce dont témoigne ces artistes est de ne jamais se nier, s’inspirer sans jamais renoncer à sa personnalité, être un cri strident dans la convention.

Steven Parrino, « Screaming Yellow Crush on Classy Chassis », 1992

L’Histoire est un éternel recommencement, l’histoire de l’art n’y fait pas exception si ce n’est que son rôle est de « faire un meilleur avenir avec les éléments élargis du passé« (Goethe).

Expositions à voir jusqu’au dimanche 14 avril, plus d’information ici

Oeuvre d’introduction :

Mathieu Malouf, Caytlin, Peinture acrylique et paillettes sur toile, 167,6 x 167,6, 2017

La Nativité du Maître de Flémalle – Musée des Beaux-Arts – Cour de Bar

Noël !

Noël est là !

Laissez quelques instants les mets succulents et les cadeaux à foison pour contempler un instant sacré : La Nativité

Admirez la plus belle crèche de Dijon, une des plus extraordinaire au monde.

Cette oeuvre a été réalisée vers 1435 par le Maître de Flémalle, un nom de convention car son identité précise nous est inconnue, si ce n’est qu’il était membre de l’atelier de Robert Campin (1378-1444), qui lui-même fit une partie de son apprentissage à Dijon avant de s’installer à Tournai, cité du vaste Duché de Bourgogne.

Une huile sur bois, encore un peu teintée d’archaïsme, mais résolument portée vers l’innovation technique et une vision nouvelle, transition entre le Moyen-âge et la Renaissance.

Pénétrez dans l’ancien palais des ducs et des Etats de Bourgogne, par la cour de Bar qui permet l’accès au musée des Beaux-Arts, montez au troisième étage, entrez dans la salle n°8 dédiée à la Bourgogne et la Flandre et suivez Sylvia Cointot-Bertin, médiatrice culturelle et captivante conteuse.

Ecoutez, observez et méditez…

Le Maître de Flémalle, La Nativité et l’Adoration des bergers, vers 1435, Huile sur bois, 86 x 72 cm, Acquis en 1828, Musée des Beaux-Arts de Dijon

Réalisation Alter Diffusion & Dijon Design

Musiques :

Guillaume Dufay – Motets isorythmiques (Huelgas Ensemble – Dir. Paul van Nevel)

« Moribus et genere. Virgo, virga virens »

LAUDARIUM (Songs of popular dévotion from 14th century Italy)

Laude di Sancta Maria – « Die ti salvi Regina«
Legenda Aurea – « Novel Canto » – « Spiritu Sancto dolce amore«

Merci au directeur du musée des beaux-arts de Dijon et à ses équipes, particulièrement à Linda Simon, responsable du pôle communication et mécénat, à Anne Camuset, responsable de la photothèque et à Sylvia Cointot-Bertin, médiatrice culturelle, dont sort de la bouche des récits de perles et de diamants à l’image des Fées de Charles Perrault.

L’accès aux collections permanentes est gratuit tous les jours, pour tous.

Pour plus de renseignements cliquez ici.